“SUPREME PRESENCE” @ the DISTRIBUTION DE FILMS INDÉPENDANTS – SÉANCES – FESTIVAL DES CINÉMAS DIFFÉRENTS DE PARIS

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HD | Mini dv | 04:09 Min. | Color | Stereo
Netherlands, Norway, Sweden and Germany

Supreme Presence, 2016, opens with a figure who has a colourful tablecloth over her head. She is squatting in a bright space composed of assembled containers and is stroking a dog. The round tablecloth lies like a cape over the figure’s shoulder and head, and is decorated with printed circles of orange flowers on a blue ground. The innermost circle forms a kind of frame around the head of the artist, who is beneath the cloth and has cut two slits for her eyes. A rhythmic knocking begins, and a following sequence tracks along a mossy concrete wall to which a rectangular floral tablecloth has been pasted. To the beat of a percussion instrument, the dog trots along the wall; this sequence is relieved by intervals showing an elk in a forest, the dog in a forest and a pony on a green pasture; the pony also has a tablecloth on its back.

The music continues while once again the dog and the figure with the tablecloth, and alternately a further figure wearing a mask with green horns, can be seen in dynamic situations in the containers. Alternating shots show the four containers being put together as a cube with a glass front and dismantled again, along with the now-dead pony. Its wet body, lying in the dark, is covered in a white cloth, and next to its head is a flickering candle. It is lifted into a truck in a strangely technical-looking construction consisting of blue tarpaulins and a small crane. The music comes to a climax, the containers are dismantled, and, in a crematorium, a pointed lance pushes the pony into a glowing red tube. Then the film ends with a silent view over a foggy dune landscape with the hazy sun hanging over it. Supreme Presence is pregnant with the themes of loss and death, of construction and dismantling. Here too, parallel and overlapping pictures are summoned, while reference is made, for all their different content, to their aesthetic similarity.

Supreme Presence zeigt eingangs erneut die Figur mit buntem Tischtuch über ihrem Kopf. Sie hockt in einem lichten Raum aus zusammengestellten Containern und streichelt den Hund aus Optimistic Cover. Das runde Tischtuch legt sich wie ein Cape über Kopf und Schultern und ist auf blauem Grund mit aufgedruckten Kreisen aus orangen Blumen geschmückt. Der innerste Kreis bildet eine Art Rahmen um den Kopf der Künstlerin, die sich unter dem Tuch befindet und zwei Schlitze für ihre Augen in das Tuch geschnitten hat. Es setzt ein rhythmisches Klopfen ein und eine anschließende Sequenz fährt über eine bemooste Betonmauer, auf die mit Kleister ein rechteckiges, geblümtes Tischtuch geklebt ist. Im Tackt eines Schlagzeuges trabt der Hund die Mauer entlang und wird abgelöst von Intervallen, die einen Elch im Wald, den Hund im Wald und ein Pony auf einer grünen Weide zeigen, das ebenfalls eine Tischdecke auf seinem Rücken trägt.

Die Musik setzt sich fort, während nun wieder der Hund und die Gestalt mit Tischtuch sowie abwechselnd eine weitere Gestalt mit einer grün gehörnten Maske in dynamischen Situationen in den Containern zu sehen sind. Alternierende Aufnahmen zeigen, wie die vier Container zu einem Kubus mit Glasfront auf- und abgebaut werden und das nun tote Pony. Sein im Dunkeln liegender nasser Körper ist mit einem weißen Tuch bedeckt und neben seinem Kopf brennt eine flackernde Kerze. Es wird in einer seltsam technisch erscheinenden Konstruktion aus einer blauen Plane und einem kleinen Krahn in einen Lastwagen gehoben. Die Musik spitzt sich zu, die Container sind abgebaut und das Pony wird in einem Krematorium von einer spitzen Lanze in eine rot glühende Röhre geschoben. Dann endet der Film, mit einem stummen Blick über eine im Nebel liegende Dünenlandschaft und darüber hängender dunstiger Sonne. In Supreme Presence sind die Themen Verlust und Tod sowie Auf- und Abbau prägnant. Auch hier werden parallele und sich überschneidende Bilder aufgerufen und, bei verschiedenem Inhalt, auf deren ästhetische Ähnlichkeit verwiesen.

von Rosa Windt

With a series of seven short films in all, Leyla Rodriguez composes sequences of family and identity. In many cases, penetrating autobiographical and intimate shots are assembled, developing the character of moving collages. Ahistorical, multiply ambiguous, symbolically charged images suggest narratives that are ultimately left open. In this way, the films do not generate a stringent view of time or narrative, but in a kind of endless loop form variable interpretations and possibilities of entry. The relationship between nature, culture, ‘Heimat’ and ‘dépaysement’, comes across as a superordinate and recurring principle, generating the melancholy and yearning that overlie the films.

Leyla Rodriguez comes from a musical family. She grew up under the military dictatorship in Argentina that lasted from 1976 to 1983, and in 1984 she finally moved to Germany. Many of her relatives remain in Argentina, while others emigrated to the United States, Brazil and Australia, so that the once close-knit family has become dispersed. What remained was a feeling of lack of identity and a home for ever lost.

Various members of the family are musically integrated film by film, forming a focal point of the narrative without themselves appearing. In their place various shots of landscape, wild and domestic animals and Rodriguez herself – disguised as a hooded figure, as a hybrid between animal, human and textile – take on the role of abstract personifications. Old melodies, some composed by family members, are supplemented by new ones and back up the pictorial narratives. Sound sequences dominate the different scenes, linking them and becoming lead actors in their own right.

Much of the film material shows excerpts from the everyday life of the artist and creates a random, casual structure. In the expansion of often strange-looking images, aesthetic affinities arise between the images, creating a parallel world between order and disorder. The film medium alternates between photographic, pictorial and performative episodes and no clear categorization is possible.

The film series starts with The Separation Loop, dating from 2015, followed by Optimistic Cover, 2015, Supreme Presence, 2016, Interior Season 2017, Homeless, 2017, Hermetica, 2018 and the final film, completed 2018, Boom.

Mit einer Reihe von insgesamt sieben Kurz-Filmen entwirft Leyla Rodriguez Sequenzen von Familie und Identität. Vielfach werden dabei eindringliche autobiografische und intime Aufnahmen assembliert und entwickeln den Charakter bewegter Collagen. Ahistorische, mehrdeutige, skurrile Bilder, Musik und Charaktere suggerieren Narrative, die nicht eingelöst werden. Die Filme generieren so keine stringente Zeitauffassung oder Erzählung, sondern bilden in einer Art Endlosschleife variable Einstiegsmöglichkeiten und Lesarten. Als ein übergeordnetes und wiederkehrendes Prinzip erscheint dabei das Verhältnis von Natur, Kultur, Heimat und Heimatlosigkeit und erzeugt eine die Filme überlagernde Melancholie und Sehnsucht.

Leyla Rodriguez stammt aus einer Musikerfamilie. Sie wuchs während der von 1976 bis 1983 andauernden Militärdiktatur in Argentinien auf und immigrierte 1984 schließlich nach Deutschland. Während Teile der Familie in Argentinien verblieben, wanderten andere nach Amerika, Brasilien und Australien aus, und der ehemals enge Verbund verlor sich in kleinen Gruppen. Ein Gefühl der Identitätslosigkeit und einer für immer verlorenen Heimat blieb.

Verschiedene Mitglieder der Familie werden Film um Film musikalisch integriert und bilden einen Schwerpunkt der Erzählung, ohne dabei selbst in Erscheinung zu treten. An ihrer Stelle übernehmen verschiedene Aufnahmen von Landschaft, Wild- und Hausieren sowie Rodriguez selbst — verkleidet als vermummte Gestalt, als Hybrid zwischen Tier, Mensch und Textil — abstrakte Personifikationen. Alte Melodien, teils von Familienangehörigen komponiert, werden durch neue ergänzt und tragen die bildnerischen Erzählungen. Klangfolgen dominieren die verschiedenen Szenen, verknüpfen diese und werden zu Hauptakteuren.

Ein Großteil des filmischen Materials zeigt Ausschnitte aus dem Alltag der Künstlerin und entwirft eine vom Zufall geleitete, beiläufige Struktur. In der Erweiterung oft seltsam anmutender Aufnahmen, ergeben sich zwischen den Bildern ästhetische Verwandtschaften und erzeugen eine Parallelwelt zwischen Ordnung und Unordnung. Das Medium Film changiert dabei zwischen fotografischen, malerischen und performativen Episoden und verhindert eindeutige Kategorien.

von Rosa Windt